Alessandro ha iniziato a dipingere nel 2015, in una giornata uggiosa in cui, trovando una tela e dei colori, ha scoperto la capacità di trasformare non solo la tela bianca ma anche l’atmosfera stessa di quel momento. Da allora ha dedicato tempo e studio per sviluppare uno stile espressionista astratto informale, che oggi condivide con il mondo. Ogni sua opera possiede un carattere e una vitalità unici, espressione della creatività e dell’energia emotiva che Alessandro mette in ogni composizione. La sua arte nasce da un luogo dove l’emozione si libera dalla logica, offrendo a chi osserva un’esperienza che trascende la semplice visione, invitando a un dialogo interiore e alla scoperta personale. Con i suoi colori e le sue forme, Alessandro guida lo spettatore in un viaggio emotivo, dove ogni interpretazione diventa una nuova creazione e una sfaccettatura unica del proprio vissuto.
Cos’è per te l’arte?
Per me l’arte è una forma di traduzione: il tentativo di rendere visibile ciò che normalmente rimane invisibile. È un linguaggio che nasce dal corpo e dalla mente insieme, un modo per dare forma alle emozioni e alle energie che ci attraversano. Non è solo espressione, ma un processo di consapevolezza: ogni gesto pittorico o scultoreo diventa un atto di presenza, un frammento di verità interiore.
Come descriveresti l’evoluzione del tuo stile dal momento in cui hai iniziato a dipingere fino a oggi? Quali sono state le sfide più grandi nel trovare la tua voce artistica?
All’inizio la mia pittura era più istintiva, quasi una necessità fisica di scaricare energia. Col tempo ho imparato a lasciare che quell’energia trovasse una direzione, un ritmo. Oggi il gesto è ancora impulsivo, ma più consapevole: il caos iniziale si è trasformato in un dialogo profondo tra materia e pensiero. La sfida più grande è stata imparare a fidarmi del mio istinto, accettando che la mia voce artistica si costruisse anche nell’imperfezione.
In che modo le emozioni influenzano la scelta dei colori e delle forme nelle tue opere?
Non pianifico mai una palette: i colori emergono come conseguenza diretta dello stato d’animo. Se sento tensione, uso pigmenti più densi e gesti decisi; se sono in uno spazio di calma, i toni si aprono e diventano più fluidi. Ogni opera è un autoritratto emotivo di un momento preciso: il colore diventa un linguaggio dell’inconscio.
Raccontami di un’opera a cui sei particolarmente legato e cosa rappresenta per te nel tuo percorso artistico.
Una delle opere a cui sono più legato è “Anima”, perché rappresenta un passaggio fondamentale nella mia evoluzione artistica. Con questo lavoro ho sentito di aver superato il confine tra pura gestualità e consapevolezza formale. In “Anima” convivono due forze opposte — l’impulso e la calma, la materia e la luce — fuse in un equilibrio che sento ancora oggi vivo. Per me segna la nascita di una nuova consapevolezza del gesto come atto spirituale e del colore come voce dell’inconscio.
Come vorresti che chi osserva le tue opere interpreti il dialogo interiore che proponi?
Non voglio guidare l’interpretazione, ma creare uno spazio di risonanza. Mi piacerebbe che chi guarda le mie opere sentisse qualcosa di proprio — un’emozione, una tensione, una vibrazione interna. Se un’opera riesce a far fermare lo spettatore anche solo per un attimo, a fargli percepire un’energia o un ricordo, allora ha già compiuto la sua funzione.
Hai mai pensato di esplorare altre tecniche o mezzi espressivi?
Sì, è ciò che mi ha portato alla scultura e alla serie “Neurosfera”. Sentivo il bisogno di dare tridimensionalità al pensiero, di trasformare il flusso mentale in forma tangibile. Ogni materiale — pittura, resina, metallo — è solo un diverso modo di dialogare con la stessa energia. In futuro ho in programma di sperimentare altre dimensioni di linguaggi artistici, ma tutto è ancora in divenire.
In che misura il contesto o l’ambiente influenzano la tua arte?
L’ambiente ha un ruolo fondamentale. Il silenzio, la luce, persino la temperatura influenzano il modo in cui mi muovo sulla tela. Ma non è solo uno spazio fisico: anche l’atmosfera mentale, l’energia delle persone intorno o il peso di un pensiero diventano parte del lavoro. Ogni opera è la somma di un contesto visibile e uno invisibile.
Come vivi il rapporto tra spontaneità e controllo durante il processo creativo?
L’imprevisto è il cuore del mio lavoro. La mia pittura nasce da un equilibrio precario tra intenzione e abbandono. Posso preparare la tela e scegliere i materiali, ma il momento della pennellata o del gesto è puro istinto. Cerco di controllare solo fino al punto in cui la materia inizia a rispondere da sé. L’imprevisto è dove nasce la verità del segno.
Descriviti in tre colori.
Se dovessi descrivermi attraverso tre colori, sceglierei il blu, il bianco e il nero. Il blu è il mio mare interiore, rappresenta la profondità e l’intuizione. Il bianco è la mia luce, lo spazio di respiro in cui ritrovo equilibrio e chiarezza. Il nero è la mia radice, la forza primordiale della materia e del mistero, il punto d’origine da cui tutto emerge e a cui tutto ritorna.
